Sembrava davvero strano tornare a Venezia, rivederla spopolata e smorzata d’iniziative ed eventi significativi specie d’estate, per andare tuttavia ad una nuova vernice dal titolo coraggioso e altrettanto provocatorio, Assembramenti.

Questa la scelta di Michela Rizzo, titolare della nota galleria d’Arte contemporanea che porta il suo nome e che, incutendo molta curiosità anche per l’effetto contrastante con le ultime imposizioni di lungo confinamento a cui ci siamo dovuti assoggettare, è riuscita in modo azzeccato a fare breccia nei timori degli spostamenti e dei luoghi chiusi.

L’effetto è stato senz’altro riuscito, specie nell’intenzione di dare un impulso positivo al ritorno alla normalità partendo proprio dall’Arte, che unisce e raduna anche quando la fisicità al suo cospetto è ridotta al minimo.

Un’idea di collettiva, quella di questa mostra che “assembra, ma non minaccia”: più di trenta artisti coinvolti nell’esposizione, sono una prima assoluta per lo spazio dell’isola della Giudecca, a testimonianza che oramai è matura la voglia e la necessità per lo spirito di riappropriarsi della libertà di esprimersi, di interagire e di emozionarsi.

Il proposito dell’iniziativa è di dare una sorta di affermazione e continuità alla linea stilistica della galleria, che si distingue per le scelte di Michela Rizzo sempre animate dalla cura stilistica e dalla istintiva passione per l’Arte e le sue differenti espressioni, razionali e figurative. Ma di dare anche una scossa agli animi, di invitare a reagire alla staticità del momento, superando angosce e incertezze diventando nuovamente attori del nostro tempo anche pregiandoci di tornare ad essere pubblico di un evento culturale.

Entrando nello spazio espositivo, in un percorso che via via si snoda nell’associazione contrastante e dialettica delle opere, la varietà degli stili e dei media utilizzati, mettono a confronto linguaggi tradizionali con quelli più contemporanei, in una vicinanza concettuale e visiva che si manifesta oggettivamente coerente: non un miscuglio casuale ma un affiancamento dialettico delle opere nella loro lettura del mondo, della vita e della società; la molteplicità degli esempi espressivi sorprende e stimola la mente a cercare le proprie affinità e inclinazioni.

Nel itinerario della galleria, architettonicamente articolata nelle sale che sono state parte dell’ex birrificio Dreher, la pittura lascia poi spazio al disegno, alle mappe, alla fotografia, per culminare nello spazialismo, nella progettualità e nelle installazioni più vicine al razionalismo storico.

Accanto ad esse, s’inseriscono oggetti della più recente e ludica attualità, che avvicinano alla storia e alla tradizione espressiva l’evoluzione dei linguaggi e delle concezioni estetiche, i suoi valori relativistici legati a interpretazioni soggettive del mondo e della realtà storica contemporanea, ampliando la concezione del bello sino all’estremo cognitivo come spesso accade nei linguaggi espressivi dei più giovani. Così gli oggetti di uso quotidiano divengono complementari ai linguaggi figurativi classici, come ad esempio le slot machine di Alessandro Sambini, palesando il proprio vissuto come esperienza artistica oggettuale e tangibile.

Ogni spettatore può cogliere in questo evento la sua affine accezione, senza per questo perdere di vista la linea dell’insieme tracciata dalla disposizione, apprezzando al contempo sia il lavoro degli artisti preferiti, che le scelte stilistiche della galleria.

La visita alla mostra intrattiene dapprima il mio sguardo sulla liricità dei dipinti di un artista versatile, Pierpaolo Curti, che da ex calciatore è diventato allenatore, coltivando parallelamente il suo talento per la pittura.  I suoi quadri apparentemente tristi e melanconici, sono in realtà un punto di partenza per riflettere: i cieli illimitati e riconoscibili dagli accenni di nuvole suggeriscono lo sconfinamento, ovvero la possibilità dell’arte di essere liberamente interpretata e della vita di offrire infinite possibilità alla natura ed allo spirito umano di realizzarsi.

Molto interessanti dal mio punto di vista i paesaggi e le città dai lavori di Mariateresa Sartori, mappe ideali ed al contempo reali che analizzano i flussi di gente nei luoghi più frequentati di Venezia, evidenziando le dinamiche rilevate empiricamente grazie al mezzo fotografico e restituendo immagini rappresentative e salienti di questa ricerca, che riproducono esiti diversi in base alle angolazioni visive, agli orari di affluenza ed agli istanti dello scatto.  

L’indagine dei rapporti tra uomo natura, altro tema privilegiato dall’interesse della galleria, è rappresentato mirabilmente dallo scultore Ivan Barlafante, l’artista romano, co-fondatore nel ’98 del gruppo artistico ICE BADILE oramai sciolto, assieme ai colleghi Emilio Leofreddi, Claire Longo, Claudio Di Carlo, Daniela Papadia ed il designer Andrea Orsini. Insediatosi in una ex fabbrica riadattata a studio e fucina d’arte contemporanea “collettiva”, per 12 anni il gruppo ha svolto un’attività intenzionalmente senza confini, negando i meccanismi ed i limiti dettati dal sistema dell’arte, ed offrendo per contrasto un percorso alternativo ed inclusivo, guidato unicamente dalla creatività, vera fonte d’ispirazione per realizzare l’opera d’arte.

La stupenda scultura in legno, roccia e acciaio inox lucidato a specchio, esposta nella Project Room della galleria, è un esempio di come Barlafante dall’interazione di materiali di diversa provenienza industriale e naturale, interpreti l’uomo nella sua ambivalenza, originaria e spirituale; le superfici specchianti del tronco invitano lo spettatore a interrogarsi, a chiedersi se stia guardando natura o artificio; l’estetica dell’oggetto scultoreo prevale, significando intrinsecamente che la bellezza e l’attrazione per l’Arte riesce talvolta a rendere meno greve la dura realtà, ed al contempo a far apparire plausibile la presenza del divino nel mondo.