La ricostruzione storiografica de “Le Muse inquiete” parte con la sezione degli anni ’30 a cura del direttore della Biennale Cinema, Alberto Barbera che presenta un’analisi di quanto, rispetto agli intenti liberisti degli anni precedenti della Biennale, i totalitarismi abbiamo preso piede anche nella determinazione degli esiti delle manifestazioni culturali. Negli anni trenta la Biennale inizia ad aprire le porte ad altre discipline artistiche oltre quelle figurative, aspirando al suo ruolo di apertura internazionale: nel 1932 nasce il festival della Musica e nel 1934 quello del Cinema.

In questo periodo le Arti erano viste come mezzi di propaganda politica, nuovi metodi di aggregazione delle masse. In particolare fascismo e nazismo, ideologie sorte in quegli anni, hanno imposto scelte estreme, tanto che la premiazione nel 1938 del film tedesco “Olimpya” ha portato la defezione dalla giuria dei rappresentanti degli Stati Uniti, dell’Inghilterra e del rappresentante francese Jean Zay, che fondò poi, pochi anni dopo, un nuovo festival a Cannes.

Fu il principio di un percorso di trasformazione della Biennale, di un’apertura e l’aspirazione di divenire mostra internazionale, con l’accoglimento delle prime nazioni straniere a cominciare proprio in quegli anni dall’arrivo a Venezia degli Stati Uniti.

In tal senso diventa un nuovo palcoscenico per le istituzioni politiche divenendo essa stessa un’istituzione dipendente dallo Stato, ed il cinema ha in quegli anni un ruolo determinante per la diffusione delle ideologie totalitarie.

Segue la ricostruzione del periodo artistico post bellico, ad opera del direttore della Biennale Musica Ivan Fedele. Nel 1948 si ha la Biennale della Ricostruzione, che anticipa di soli 7 anni Documenta a Kassel, rappresenta il periodo in cui la Biennale ha bisogno di riaggiornarsi e di acquisire linguaggi artistici prima censurati. Basti ricordare che nel 1948 Pablo Picasso, autore già affermato fuori dal nostro Paese, partecipa alla Biennale all’età di 67 anni, mentre da un punto di vista figurativo si ha l’affermazione del movimento Impressionista, corrente che prima era stata del tutto ostracizzata.

L’emblema della Mostra di quell’anno resta tuttavia l’esposizione della collezione di Peggy Guggenheim nel padiglione della Grecia, che si avvale per l’allestimento della collaborazione dell’architetto Carlo Scarpa. Questo segna una svolta epocale nell’introduzione nel nostro paese di artisti prima ignorati come i rappresentanti del modernismo europeo quali Mondrian e Kandinsky e l’italiano Giacometti, e dei talenti dell’astrattismo americano come Jackson Pollock e Klyfford.Still.

Il periodo della Guerra Fredda e l’opposizione tra i due grandi blocchi del mondo geopolitico, Occidente e Regime Sovietico, si espressero oltre che nella loro trasposizione figurativa tra astrattismo liberista e internazionalista e realismo figurativo socialista, in una fuga di enorme portata di artisti verso l’Europa.

In ambito musicale si ebbe la presenza in Biennale di importanti musicisti sovietici in fuga dal regime che trovarono libera espressione sia nella lirica che nella musica classica.

Nel 1913 il primo Leone d’Oro ad una musicista sovietica come Sofija Asgatovna Gubajdulina, perseguitata in patria e costretta alle musiche di servizio  al pari di esimi e più noti predecessori come il suo mentore Dmitrij Šostakovič. La Gubajdulina fù infatti autrice della colonna sonora del film d’animazione disneyano Mogli, tratto dal libro di Kipling, che verrà proiettato nella sala numero sei della Mostra.